Editorial Bercimuel - Biografías de Autores: Emilia Pardo Bazán y otros

Albert y Paradís, Caterina

Delaunay, Sonia

Deledda, Gracia

Gangutia, Clara

Gil Sierra, Jacinto

Manera, Danilo

Morisot, Berthe

Münter, Gabriele

Paba, Tonina

Pardo Bazán, Emilia

Rego, Paula

Silvestri, Laura

Taeuber Arp, Sophie

Vallayer-Coster, Anne

Varo Uranga, Remedios

Vidal i Puig, Lluisa

Vieira Da Silva, María Helena

Vigeé-Lebrun, Elizabeth

Biografía de Caterina Albert y Paradís o Víctor Catalá

Nace en l'Escala (Alt Empordà) en el año 1869.
Fue la mayor de los cuatro hijos del matrimonio formado por el abogado, político y propietario rural Lluis Albert y Dolors Paradís. Vivió de las rentas familiares en su pueblo natal y después de la muerte del padre y de la abuela materna cuidaba de la madre y de la administración del patrimonio familiar. Viajó por Europa, especialmente Italia, y residía temporadas en Barcelona, donde a partir del año 1904 tenía un piso. Fue a la escuela primaria de su pueblo y un año a un pensionado de Girona, donde empezó a estudiar francés, pero su educación en verdad fue en el seno de la familia. La base de su catalanismo, su afinidad con la lengua catalana, son las actividades políticas de su padre, diputado republicano que se tuvo que exiliar de España durante un tiempo por haber participado en el alzamiento federalista ampurdanés de octubre de 1869.
Culturalmente la familia le facilitó, con las clases particulares, sus inclinaciones artísticas por el dibujo, la pintura y la escultura, que compartirá con la creación literaria hasta comienzos del siglo XX. También es en la familia donde va a encontrar el ambiente propicio para su “autodidactismo” literario: la madre escribía poesías y la abuela era una gran conocedora del folklore y la cultura popular. También contribuiría el hecho de tener un estudio donde gozar de la privacidad necesaria para la creación y una gran afición a la lectura que la llevó a comprar semanalmente libros y revistas.
A pesar de que siempre querrá dar la imagen de “amateur”, que defenderá su independencia creativa al margen de dogmas y escuelas y que mostrará resistencia a las intervenciones públicas, estableció relaciones con los grandes escritores de la época, como Maragall y Narcís Oller, con los cuales mantuvo una gran amistad y por quienes manifestó una gran admiración.
Colaboró en diversas publicaciones periódicas, como Joventut, La Ilustración Catalana o Feminal. Presidió los Juegos Florales de Barcelona en 1917, donde pronunció el discurso De civismo y civilitat, y fue nombrada miembro de la Academia de Bones Lletres de Barcelona en el año 1923, donde leyó el discurso Sensacions d’Empúries.
Caterina Albert inició su vida literaria en 1898, cuando le fueron premiados en los Juegos Florales de Olot un poema, "El llibre nou", y un monólogo teatral, La infanticida. Al saberse que era una mujer la autora de esa pieza se originó un escándalo que la hizo refugiarse bajo el seudónimo de Víctor Catalá.

Teniendo en cuenta la cronología de sus ediciones la obra de Caterina Albert se agrupa en tres etapas. La primera abarca los años de Modernismo y es la más importante, sea por la cantidad como por la variedad de géneros. Publicó dos volúmenes de poesía, El cant dels mesos (1901) y Llibre Blanc-Policromi-Tríptic (1905), un volumen de teatro, Quatre monòlegs (1901), tres colecciones de cuentos, Drames rurals (1902), Ombrívoles (1904) y Caires Vius (1907), y una novela, Solitud (1905), que la consagra y traspasa las fronteras.
En estos años se perfilan las características de la obra de la autora, que con pocas variaciones serán las constantes en toda su producción, tanto a nivel de géneros, como a nivel temático y formal. En primer lugar cabe destacar su opción por la narrativa. En este género suele tratar historias trágicas del mundo rural que enfoca desde una óptica pesimista y fatalista, y con una especial sensibiidad por la estética del negro o del claroscuro. Esta visión, común a otros modernistas, se centra en la lucha del individuo contra los elementos hostiles que imposiblitan su propia realización. Además la autora muestra interés por los mundos interiores de las personas, sobre todo de las mujeres, con un doble enfoque: la profundización psicológica de un personaje, como hace magistralmente con la Mila de Solitud, o bien la dualidad entre la apariencia externa y la personalidad interior. Al predominio de los espacios rurales y el interés por los conflictos humanos añadamos la concisión narrativa y la riqueza linguística, sobre todo en cuanto al léxico, y estiística, un estilo sugestivo, expresivo y plástico, es decir, efectista.

Desde 1907 se produce un silencio editorial de la autora debido a los ataques de los noucentistas a la narrativa rural. Sus volúmenes de cuentos, La Mare-Balena (1920) y Contrallums (1930), la novela Un film 3.000 metres (1926) y la antología Marines (1928), forman la segunda etapa, que quedará interrumpida por la Guerra Civil y los primeros años de la dictadura franquista. Los cuentos de estos volúmenes presentan las mismas características de los anteriores. En cambio, con la novela, la autora pretende por un lado adaptarse a la modernidad con la introducción de elementos procedentes del cine y, por otro lado, demostrar su capacidad para hacer novela urbana de ambiente no burgués. En la postguerra publicó un tomo de cuentos en castellano, Retablo (1944), uno de prosas literarias no narrativas, Mosaic (1946) y dos colecciones de cuentos, Vida mòlta (1950) y Jubileu (1951), que continuan siendo una prueba de su gran capacidad narrativa.
Caterina Albert y Paradis murió en su villa natal en el año 1966.

(La mayor parte de este texto procede de ILETRA, espai virtual de la literatura catalana).

Biografía de Sonia Delaunay

Nace el 14 de Noviembre de 1885 en Gradizhsk, (Ucrania) Sara Stern, conocida como Sonia Terk porque es adoptada por un tío materno cuando tiene 5 años y va a vivir a San Petersburgo.
Inicia sus estudios artísticos en 1903, en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Karslruhe, Alemania.
Sonia llega a París en 1905 e ingresa en la Academia de la Pallete a la vez que estudia grabado con Grosman.
En 1907 conoce a Robert Dealunay a través de su primer marido, el coleccionista y marchante alemán Wilhem Uhde. En la galería de este expone por primera vez en 1908.
Tras el divorcio de Uhde contrae matrimonio con Robert Delaunay en 1910. En 1911 tuvieron su único hijo, Charles.
En 1912 Apollinaire vive un tiempo con la pareja y él será quien dará el nombre a la pintura de Robert, el “Orfismo”.
Exponen juntos en Berlín en 1913, y en 1914 en el Salon des Indépendents, de París. Pinta Contrastes simultáneos y Prismas eléctricos.
En el verano de 1914 van de vacaciones de verano a Fuenterrabía, con su hijo y la madre de Robert. Les sorprende la guerra europea. Se instalan en Madrid medio año y después en dos pueblos de la costa del norte de Portugal, hasta 1917. Pintan de nuevo figurativo, naturalezas muertas.
En 1917 viajan a Barcelona y allí conocen el comienzo de la Revolución rusa, que ellos celebran, aunque pierden las rentas de la familia Terk. En esos años en Madrid pasan un tiempo los que huyen de la guerra, como los Ballets rusos de Diaghilev, Nijinsky. Hace Sonia proyectos de trajes para el ballet Cleopatra, que tendrá gran éxito en Londres. Conocen a Ramón Gómez de la Serna, el intelectual más moderno en Madrid.
Como se ven en necesidad de ganar dinero Sonia hará decoración de interiores. Decora el teatro de variedades Petit Casino, de Madrid. Abre una tienda de elementos de decoración, que ella misma hacía a partir de otras cosas del Rastro, etc. Tiene éxito entre cierta aristocracia. Crea pintura de habitaciones, telas para vestidos, sombrillas. Abre tienda también en San Sebastián, donde exponen en el salón de la Asociación de Artistas vascos, y en Barcelona.
En 1921 abrirá su tienda en París. Sigue creando vestidos simultáneos, vestido poemas, y diseña vestuario de películas.
Entre 1930-35 vuelven a la abstracción. En 1938 decoran el Salon des Tuilleries. Su casa es sitio que atrae a alumnos y se reúnen tertulias de artistas. Robert muere en 1941.
Sonia Delaunay decora el edificio de la Cruz Roja en Ginebra. Y hasta 1979 sigue su actividad pictórica, en el grabado y la serigrafía, en el diseño textil y en la promoción de la obra de su marido y la suya.
Dona su obra gráfica al Louvre y muere en diciembre de 1979.

Biografía de Grazia Deledda

Nació en Nuoro, Cerdeña, el 27 de septiembre de 1871 en una familia numerosa de pequeños terratenientes. Tras hacer estudios elementales, fue educada de modo privado por un profesor con el que profundizó en sus estudios literarios.
Empezó a destacar como escritora con algunos relatos que publicó la revista "L'ultima moda". La primera obra de éxito puede considerarse que fue En el azul (1890). Sus obras entonces oscilaban entre la narrativa y la poética. En 1892 publicó su primera novela, Fior di Sardegna, seguida de Relatos sardos y Anime oneste de 1895.
En el año 1900 se casó con un funcionario ministerial, Palmiro Madesani, al que había conocido en Cagliari, y se trasladó a Roma, donde residió durante el resto de su vida; Tras la publicación de El viejo de la montaña (1900), además de sus colaboraciones en la revista "La Sardegna", "Piccola rivista" y "Nuova Antologia", la crítica empieza a interesarse por sus obras. En ese mismo año, en "Nuova Antologia", publicó una de sus novelas más logradas, Elías Portolu, (se editó en 1903), la historia de amor de un ex-convicto y su cuñada.
En 1904 publicó Cenere, (Cenizas) (que se adaptó a película, interpretada por Eleonora Duse), donde abordaba el tema de una relación filial. Para el teatro escribió La hiedra (1906), En 1913 editó su obra maestra Canne al vento, centrada en la “fragilidad del individuo arrollado por un destino ciego y cruel”; después de la poderosa novela Marianna Sirca (1915), escribió La madre (1920), en la que desentrañaba los entresijos de la relación entre un sacerdote y su madre. Otras obras suyas son Hasta el límite (1911), Colombi e Sparvieri (1912), El incendio en el olivar (1918), El Dios de los vientos (1922). La huída a Egipto (1925), El sello de amor (1926).
En 1926 fue la segunda mujer en la historia del premio Nobel en conseguirlo: lo recogió sin la menor sonrisa, “según relató Maria Giacobbe, haciendo referencia a la prensa sueca de la época”. Su novela autobiográfica, Cósima, se publicó en 1937, un año después de su muerte en Roma, en 1936.
De carácter cerrado y huraño, Grazia Deledda creó un universo literario que se coloca entre el verismo de Verga y el decadentismo de Gabriele D'Annunzio con unos rasgos absolutamente personales: para encontrar sus influencias, hay que buscar entre las páginas de los novelistas rusos del siglo XIX, empezando por León Tolstoi. En la obra de Deledda, predominan los sentimientos primigenios del amor y el dolor; sus personajes, inquietos y a menudo atormentados por el sentido del pecado y la conciencia de una inevitable fatalidad, se apoyan en una profunda convicción religiosa. En las novelas de Grazia Deledda siempre hay un fuerte vínculo entre lugares y personas, entre los estados de ánimo y el paisaje que se representa, que es el de su áspera Cerdeña natal.

Biografía de Clara Gangutia

Clara Gangutia Elícegui nació en 1952 en San Sebastián. Su padre, Eugenio, procedía de La Rioja, su madre, Pepita, era también de San Sebastián. Pocos años más tarde se traslada la numerosa familia a Madrid. Con su padre, amante y coleccionista de arte (en su casa había grandes cuadros barrocos), Clara tuvo ocasión de conocer el arte de los museos de Madrid y también el arte y los paisajes de Castilla la Vieja. Los veranos los pasaba en San Sebastián.
Desde los 10 años empezó a estudiar pintura para entrar en la Academia de San Fernando, cosa que hizo en el curso 1968-69. Antonio López fue su profesor. En 1970 hizo un viaje de aprendizaje a París, con los pintores Juan Manuel Contreras, colega de estudio y Roberto González. En 1971 un grupo de alumnos de S. Fernando “Jóvenes realistas” exponen en la Galería Seiquer.
En 1973 conoce al pintor Jesús Ibáñez, su futuro marido. Abandona la academia de San Fernando sin terminar los cursos. A pesar de ello accede a una estancia en la Academia de España en Roma, que, junto con otros compañeros, no terminaría por el ambiente convencional y rígido que existía en ella. Recorrió Italia y entonces aumentó su admiración por la pintura veneciana.
A su vuelta empieza una producción de paisajes urbanos madrileños. Participa en exposiciones colectivas y tiene su primer hijo. Tiene su otro hijo en 1986 que, con el resto de la familia, aparecerá frecuentemente en sus cuadros. Sus temas se ampliarán con otros viajes a Italia, Argentina, Uruguay y Escocia, donde, en 1990, participa en una exposición de “Realistas españoles de los 90”. Hasta la fecha no deja de exponer (antológica en el Centro Conde Duque de Madrid en 2000) y sus obras se hallan repartidas por España, Europa y América.

Biografía de Jacinto Gil Sierra

Nació en Cheles (Badajoz) en 1954. Estudió Ingeniero Agrónomo en Madrid y fue becario en Francia y California. Desde 1987 es profesor de Agronomía en la Universidad Politécnica de Madrid. Ha viajado por toda Hispanoamérica. Durante 20 años ha disputado torneos de ajedrez.

Sus publicaciones incluyen:

- Maquinaria para el cultivo y recolección de la vid.
Ediciones Mundi-Prensa, Madrid 1990.
- Elementos hidráulicos en los tractores y máquinas agrícolas
Ediciones Mundi-Prensa, 2ª edición, Madrid 1998.
- El síndrome de Pancho López
Editorial Bercimuel, Colmenar Viejo, Madrid 2001.
- Cheles 2000 en imágenes
Diputación provincial de Badajoz, 2003.

Biografía de Germaine Greer

Germaine Greer nació en Melbourne, Australia, hacia 1940. Estudió en las Universidades de Melbourne, Sydney y Cambridge, doctorándose con una tesis sobre las obras juveniles de Shakespeare. Su primer libro, The Female Eunuch, fue como un vendaval y todavía es considerado uno de los textos más influyentes del movimiento feminista. Germaine Greer ha seguido una destacada carrera en Gran Bretaña y Estados Unidos y en la actualidad es profesora de inglés y estudios literarios comparados en la Universidad de Warwick (Reino Unido). Regularmente aparecen sus trabajos como editora, periodista o articulista. Desde 1988 es Directora (y financiera) de la Editorial Stump Cross Books, una editorial especializada en obras poco conocidas de escritoras de épocas tempranas.

Su bibliografía incluye:

- The Female eunuch. Londres Macgibbon & Kee, 1970. No traducido en España.
- The Obstacle RACE. The fortunes of women painters, en inglés, que hemos publicado con el título La carrera de obstáculos en diciembre de 2005. .
- Sexo y destino Barcelona, Plaza y Janés, 1985.
- The Madwoman’s underclothes: essays and occasional writings. (selected journalism, 1964–1985 Londres. Picador 1986.
- Shakespeare. N. York: Oxford University Press. 1986.
- Kissing the rod: an anthology of seventeenth century women verse. (Editora conSusan Hastings, Jeslyn Medoff y Melinda Sansone ) Essex stump Cross Books 1988.
- Dadd we hardly knew you, 1989 New York. Knof 1990.
- The Uncollected Verse of Aphra Behn, ed., 1989
- El cambio: mujeres, vejez y menopausia. Barcelona. Anagrama 1993.
- The collect Works of Katherine Philips, The Matchless Orinda, VolumeIII, The Translations, ed. (con Dr. Ruth Little), 1993.
- Slip-shop sibyls: recognition, rejection and the woman poet. Londres 1995.
- The Surviving Works of Anne Wharton. ed. (con Susan Hastings), 1997
- La mujer completa. Barcelona. Kairós 2000.
- John Wilmot, earl of Rocheste.r Writers and their Work (New Series) Northcote House in association with the British Council, 1999.
- 101 Poems by 101 Women edited by Germaine Greer, 2001.
- El Chico, Barcelona, Ediciones Océano 2003.

Biografía de Edith Hayllar

Gran Bretaña 1860-1948.
Era la segunda hija entre las cuatro del pintor James Hayllar (1829-1920). Todas recibieron una cuidada educación académica en pintura. Kate y Mary tuvieron una actividad poco importante. La más prolífica fue Jessica, la mayor, que quedó inválida en 1900 y estuvo exponiendo en la Royal Academy desde 1880 a 1915.
Edith pintó, como las otras, la vida cotidiana en la casa de la familia burguesa victoriana, Castle Priory, a los niños, los momentos deportivos y del descanso después del deporte, de las regatas, el tiro, las partidas de tenis, que desde el 1873 se empezó a jugar en campos de hierba.
Tuvo bastante éxito. Sin embargo Edith Hayllar abandonó la pintura cuando se casó, en 1900, con el reverendo Bruce Mackay. La consideraría antitética con el “destino natural” de la mujer porque ocultó tan profundamente su actividad artística que su nieta no supo que su abuela era pintora hasta después de su muerte

Biografía de Frida Kahlo

Nace el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, 3ª de las cuatro hijas del Matrimonio Matilde Calderón y Guillermo Kahlo.
En 1913 sufre un ataque de poliomielitis que le afecta a la pierna derecha.
En 1922 empieza la enseñanza media y un día observa a Diego Rivera pintar el mural La Creación.
En 1925 es víctima de un grave accidente, que la rompe la columna vertebral, al chocar el autobús en que viajaba con un tranvía. Empieza a pintar en su convalecencia.
En 1929 se casa con Diego Rivera; es la conquista que ha planeado tanto tiempo. Sigue a su marido en su trabajo en Estados Unidos, Detroit, Nueva York. Sigue pintando, especialmente retratos de sus amigos.
Sufre un aborto y le operan el pie derecho. En 1934 se separa de Diego Rivera, que ha tenido un romance con su hermana Cristina. Viaja sola a Estados Unidos.
Sigue sufriendo operaciones. En enero de 1937 llegan a México exiliados León Trotsky y su esposa y se hospedan en su casa de Coyoacán. Pinta mucho y participa en una exposición colectiva.
En 1938 llega a México André Breton y descubre que Frida Kahlo ya era surrealista. Vende sus primeros cuadros al gran actor norteamericano Edward G. Robinson. Expone en solitario en Nueva York.
Expone 18 cuadros dentro de la exposición Mexique que organiza en 1938, en París, André Breton. Esa exposición incluye arte precolombino. Se divorcia de Diego Rivera. Se acentúa su problema alcohólico.
En 1940 participa en la Exposición internacional surrealista de Méjico. Es asesinado Trotsky. Va a tratamiento médico a Los Angeles, como le pidió Diego, y vuelve a casarse con él.
En adelante su vida sigue entre operaciones de la columna, de la pierna, su pintura, que hace en su lecho de convaleciente muchas veces, y su activismo docente y político, junto con Diego Rivera. Participa en muchas exposiciones colectivas en estados Unidos y Méjico. Su propio retrato es el tema más recurrente y a través de esos retratos narra su vida atormentada. En silla de ruedas participa en manifestaciones contra el imperialismo norteamericano.
Muere en 1954, a los 47 años. Su casa de México, D.F. es hoy su museo.

Biografía de Käthe Kollwitz

Nació en 1867 como Käthe Schmidt en Königsberg, luego Kaliningrado, en la Prusia oriental, en una familia numerosa llena de calor, libertad, respeto recíproco y dedicación artística. Empezó su formación a los catorce años en su ciudad natal con el grabador Rudolf Maurer; en 1884 se trasladó a Berlín para continuar su estudio y conoció la obra del grabador y escultor Max Klingr. Volvió a Königsberg en 1885 a seguir estudiando, y también en Munich, en 1889-1890.
En 1891 se casó con el doctor Karl Kollwitz y se estableció definitivamente en Berlín. Pero hizo viajes de estudio en 1904 a París, donde estudió escultura en la Académie Julien y conoció a Rodin. En 1907 estuvo un año en Florencia y Roma gracias al premio Villa Romana que había ganado. En 1927 fue huésped oficial de la Unión Soviética en el décimo aniversario de la revolución.
Käthe Kollwitz fue la primera mujer elegida miembro de la Academia artística Prusiana (en 1919) donde fue directora de Artes Gráficas desde 1928 hasta que dimitió en 1933 por la llegada del nazismo.
Como esposa de un médico de un barrio obrero de Berlín fue testigo de la lucha proletaria y en su arte puso lo que veía. Su abundante obra se compone de dibujo, diversas técnicas de grabado y escultura. No presta atención a la técnica, que es en ella conservadora, sino al contenido potente de sus imágenes. Su arte era un mensaje de urgente carga social.
Su primer ciclo de grabados es La insurrección de los tejedores (1895-97) dedicado a los temas de la miseria, el sufrimiento y la rebelión. Fue propuesto en 1898 para la medalla de oro pero el Kaiser lo hizo retirar por su fuerte contenido político. Dos años después fue comprada la serie por la Colección del Estado de Dresde y le dieron la medalla.
Hizo otras series de grabados: La guerra de los campesinos (del siglo XVI) (1902-8), Guerra (1922-23), Proletariado (1925) en xilografía, y Muerte (1934-5). También le influía, naturalmente, su propia vida pues su hijo murió en la 1ª Guerra mundial. En sus obras las formas se van resumiendo en lo esencial, en formas casi abstractas, condensadas, expresionistas. En la última serie hay varios autorretratos, ya vieja, de gran fuerza expresiva.
Desde 1935 no podía exponer aunque siguió trabajando en su taller de Berlín hasta los últimos meses de la 2ª guerra mundial en que fue evacuada a Dresde. En 1940 había muerto el marido y en 1942, en combate, el nieto, y ella fallece en abril de 1945.

Biografía de Danilo Manera

Danilo Manera (Alba, 1957) es profesor de literatura española contemporánea en la Universidad de Milán, narrador, traductor de varios idiomas, ensayista, crítico literario y asesor de editoriales. Ha publicado un centenar de artículos científicos e informativos y ha preparado ediciones italianas de numerosos autores españoles (Rafael Sánchez Ferlosio, Álvaro Cunqueiro, Ramón Gómez de la Serna, Emilia Pardo Bazán, Luis Cernuda, Juan Eduardo Zúñiga, José Jiménez Lozano, Luis Martín-Santos, Nuria Amat y Enrique Vila-Matas, entre otros) y antologías de cuentos gallegos, vascos, ecuatorianos y colombianos, destacando la colección Racconti dal mondo (Cuentos del mundo, Stampa Alternativa, Roma 1993) y su trabajo sobre narradores canarios con la antología L’oceano, la chitarra e i vulcani. Narratori delle Isole Canarie (El océano, la guitarra y los volcanes, Argo, Lecce 1995) y el libro de Víctor Ramírez Sabbia Bionda e altri racconti dalle Canarie (Arena rubia y otros cuentos canarios, Besa, Lecce 1996). Asimismo, es notable su labor en torno a la lengua y cultura vasca, con la traducción de B. Etxepare, Linguae Vasconum Primitiae, Real Academia de la Lengua Vasca-Euskaltzaindia, Bilbao, 1995, pp. 355-409, la antología praparada con X. Kintana Poesia basca, “In Forma di Parole”, anno VIII, n.III, 1987, pp.187-331, y la edición de X. Kintana, Euskararen eta euskal literaturaren ibilbidea / Il cammino della lingua e letteratura basca, Stampa Alternativa, Roma 2001. Es autor de un volumen sobre Felipe Trigo, Letteratura e società in Felipe Trigo, Bulzoni, Roma 1994, de la recopilación de ensayos Pagine di letteratura spagnola del Novecento (Páginas de literatura española del siglo XX, Cesena 2002) y del estudio sobre los comienzos de la novela negra en España Esordio in nero. Alle origini della narrativa poliziesca spagnola (1908-1916), Cesena 2002.
Se ha ocupado durante años de literatura cubana, publicando las antologías de cuentística cubana actual A labbra nude. Racconti dall’ultima Cuba (Con los labios desnudos. Cuentos de la última Cuba, Feltrinelli, Milán 1995) y Vedi Cuba e poi muori (De Cuba al cielo, Feltrinelli 1997), recibidas con entusiasmo por parte del público italiano, así como La baia delle gocce notturne (La bahía de las gotas nocturnas, Besa 1996), selección de cuentos de jóvenes autores cubanos de tema amoroso, y Rumba senza palme né carezze, conjunto de textos de narradoras cubanas (Rumba sin palmeras ni caricias, Besa 1996 y Feltrinelli 1999, de donde se han tomado los cinco cuentos breves aquí traducidos). Asimismo, se ha encargado de la antología bilingüe L’isola che canta. Giovani poeti cubani (La isla que canta. Jóvenes poetas cubanos, Feltrinelli 1998) y de la recopilación de letras para música Canzoni dai Caraibi (Canciones caribeñas, Stampa Alternativa, Roma 2000). Ha preparado también, con la ayuda del escritor cubano Miguel Mejides, el volumen Cuentos italianos de hoy (Arte y Literatura - Feltrinelli, La Habana 1996) que ha dado a conocer en Cuba a los narradores italianos más recientes. Ha traducido y comentado la novela de Eduardo Del Llano Arena (título italiano: La clessidra di Nicanor, Giunti, Firenze 1997) y el drama Medea de Reinaldo Montero (Petrilli, L’Aquila 1998), obras ganadoras del premio “Italo Calvino”. Ha escrito textos para los libros fotográficos La Habana como un Chevrolet de Graziano Bartolini (Arci Solidarietà, Cesena 1999) y Autos de Cuba de Luigi Bortoluzzi (Gribaudo 2001). Estuvo entre los ponentes de varias ediciones de la Semana de la Cultura Italiana en Cuba y participó en la Ferias del Libro de La Habana 2001 y 2002. Textos suyos aparecen en el número especial de la revista “Unión” dedicado a la literatura italiana contemporánea (febrero 2000), del cual fue coordinador. Con el escritor cubano Yoss ha publicado el relato El encanto de fin de siglo (Stampa Alternativa 2000), y con Miguel Mejides y Graziano Bartolini el libro de fotos, relatos y música Tocar sueños en Cuba (Stampa Alternativa 2001).
Tiene un afecto especial por la literatura dominicana. Ha presentado en Europa por primera vez a los narradores dominicanos contemporáneos en el libro I cactus non temono il vento. Racconti da Santo Domingo (Los cactus no temen al viento. Cuentos de Santo Domingo, Feltrinelli, Milano 2000, con textos de Pedro Peix, Marcio Veloz Maggiolo, Ángela Hernández, José Alcántara Almánzar, Ligia Minaya, Armando Almánzar Rodríguez, Luis Martín Gómez y Manuel Llibre Otero), del cual la editorial Siruela de Madrid publicó la versión original en 2002 Cuentos dominicanos (una antología). Selección y epílogo de Danilo Manera. Ha coordinado el número monográfico 162 de la revista “L’immaginazione” (Lecce, noviembre 1999) sobre literatura dominicana, así como una sección de poesía dominicana en el número 89 de la revista “Resine” (Savona, octubre 2001) y ha escrito sobre los taínos y el vudú dominicano en “Meridiani” (noviembre 2000). Ha participado en las Ferias Internacionales del Libro de Santo Domingo 2000, 2001 y 2002. Ha organizado la Primera Semana de la Literatura Dominicana en Italia (octubre 2001) en Milán, Roma, Verona y Génova. Ha tenido a su cargo la edición italiana de la novela de Marcio Veloz Maggiolo Riti di cabaret (Ritos de cabaret, Besa, Lecce 2001) y de las selecciones de cuentos de Ángela Hernández Come raccogliere l’ombra dei fiori (Cómo recoger la sombra de las flores, Perosini, Verona 2001) y de Luis Martín Gómez, Juke-box di sogni (Vellonera de sueños, Perosini, Verona 2003). Ha traducido los aforismos de Premisas para morir / Premesse per morire de José Mármol, en edición bilingüe (Stampa Alternativa 2001). Es coautor con Luis Martín Gómez del video incluído en el libro L’isola regalata (Viennepierre, Milano 2002), donde aparecen también fotos suyas de República Dominicana.
Además de cuentos y poemas en revistas, ha publicado la narración de viaje Yuruparí. I flauti dell’anaconda celeste (Yuruparí. Las flautas de la anaconda celeste, Feltrinelli, 1999), donde relata su expedición entre los indígenas Tucano de la Amazonía colombiana, que ganó el Premio “Gambrinus” en 1999, y una serie de cuentos sobre las colinas donde nació, Terre Lune Langhe (Gribaudo, 2000). Es miembro del consejo literario del proyecto “Un mar de sueños”, que publica libros de literatura italiana destinados a ser difundidos gratuitamente en América Latina.

Principales publicaciones:
Letteratura e società in Felipe Trigo, Bulzoni, Roma 1994.
Unha lectura do Sinbad cunqueiriano, “Grial”, Vigo, 108 (1990), pp. 437-447.
La Roma de fines del setecientos en el diario de viaje del abate canario José Viera y Clavijo, “Diario de Las Palmas”, setiembre - octubre de 1991.
A labbra nude. Racconti dall’ultima Cuba, Feltrinelli, Milano 1995.
Introducción a R. Sánchez Ferlosio, Industrias y andanzas de Alfanhuí. Comentado por Danilo Manera, Barcelona, Ediciones Destino, 1996, pp. III-LXXXVI.
Note sui romanzi galeghi di Eduardo Blanco-Amor, in Homenaxe á profesora Pilar Vázquez Cuesta, Universidade de Santiago de Compostela, 1996, pp.669-680.
Animales, piedras y un robo, in Rafael Sánchez Ferlosio, el Triunfo de la Lengua, “Archipiélago” n.31 (1998), pp. 50-56.
Sconfitta e persistenza della virtù utopica nel “Pítaco” di N. Álvarez de Cienfuegos, in M. T. Cattaneo (a cura di), La scena e la storia. Studi sul teatro spagnolo, Quaderni di ACME, Cisalpino, Milano 1997, pp. 191-214.
Vedi Cuba e poi muori. Fine secolo all’Avana, Feltrinelli, Milano 1997
L’isola che canta. Giovani poeti cubani, Feltrinelli, Milano 1998.
Rumba senza palme né carezze. Racconti di donne cubane, Feltrinelli, Milano 1999.
“Sor Milagros o Secretos de Cuba” (1897) del canario Aurelio Pérez Zamora: un romanzo storico spagnolo all’incrocio di geografie e sensibilità, in Atti del XVIII Convegno dell’Associazione Ispanisti Italiani (Siena, 5-7 marzo 1998), Bulzoni, Roma 1999, pp. 347-357.
Yuruparí. I flauti dell’anaconda celeste, Feltrinelli Traveller, 1999.
I cactus non temono il vento. Racconti da Santo Domingo, Feltrinelli, Milano 2000.
Emilia Pardo Bazán, Cuentos de la Galicia antigua. Selección y prólogo de Danilo Manera, Editorial Bercimuel, Madrid 2001.
Emilia Pardo Bazán, Cuentos policiacos. Selección y prólogo de Danilo Manera, Editorial Bercimuel, Madrid 2001.
Aire isleño, Stampa Alternativa, Roma 2002.
Pagine di letteratura spagnola del Novecento, Collana di Studi Ispanici e Relazioni Culturali tra l’Italia e i Paesi di Lingua Spagnola, Cesena 2002.
Narradores dominicanos, Siruela, Madrid 2002.
Santo Domingo. Respiro del ritmo, Stampa Alternativa, Roma 2002.
Esordio in nero. Alle origini della narrativa poliziesca spagnola (1908-1916), Collana di Studi Ispanici e Relazioni Culturali tra l’Italia e i Paesi di Lingua Spagnola, Cesena 2002.

Algunas ediciones de autores españoles en italiano a cargo del prof. Danilo Manera:
Á. Cunqueiro, Se il vecchio Sinbad tornasse alle isole..., Marietti, Genova 1989
Á. Cunqueiro, Ritrovo di farmacie prodigiose e Scuola di guaritori, Biblioteca del Vascello, Roma 1994.
Á. Cunqueiro, L’arte di camminare, Besa, Lecce 1997.
R. Sánchez Ferlosio, Imprese e vagabondaggi di Alfanhuí, Roma, Theoria, 1991
R. Sánchez Ferlosio, La freccia nell'arco, Milano, Linea d'Ombra, Milano 1992.
R. Sánchez Ferlosio, Relitti, Garzanti, Milano 1994.
R. Gómez de la Serna, Donne, libri, astri, Biblioteca del Vascello, Roma 1993.
R. Gómez de la Serna, Mille e una greguería, Biblioteca del Vascello, Roma 1993.
L. Cernuda, L’indolente, Biblioteca del Vascello, Roma 1995.
J. Jiménez Lozano, Sara di Ur, Biblioteca del Vascello, Roma 1993.
J. E. Zúñiga, L’anello di Puskin, Biblioteca del Vascello, Roma 1994.
E. Pardo Bazán, Uno squartatore d’altri tempi, Argo, Lecce 1994.
N. Amat, Mostri, Biblioteca del Vascello, Roma 1995.
Luis Martín-Santos, Tempo di silenzio, Feltrinelli, Milano 1995.
L’oceano, la chitarra e i vulcani. Narratori delle Isole Canarie, Argo, Lecce 1995.
E. Vila-Matas, Bartleby e compagnia, Feltrinelli, Milano 2002.

Web: www.iclab.it/html/manera/manera_esp.html

Biografía de Berthe Morisot

Berthe Morisot nació el 4 de enero de 1841 en Bourges, al sur de Paris. Con sus dos hermanas estudió arte y música, como las hijas de las familias burguesas, en Passy. Por su gran interés por la pintura Berthe y su hermana Edma recibieron clases del pintor Guichard el cual, viendo el talento de las jóvenes, avisó a su madre de que su instrucción “podía convertirlas en auténticas artistas y que el arte rigiera sus vidas”. Pero su madre permitió que fueran a hacer copias al Louvre en 1858 y en el verano de 1861 trabajaron con Corot. Sus padres les construyeron un estudio en el jardín de la casa. En 1864 presentaron dos paisajes en el Salon y fueron aceptados.
En 1868 Fantin-Latour le presentó a Edouard Manet, que le pidió posar para él para el cuadro Le Balcon. Le visitaría, acompañada de su madre, en más ocasiones y hablaba con él de la técnica o la composición. Aunque las jóvenes no podían asistir a las tertulias de los Cafés sí estaban en las organizadas los martes por sus padres y los jueves en casa de Manet. Ahí conocieron a Eugène Manet, a Degas, Baudelaire... La hermana Edma se casó y abandonó la pintura pero Berthe prefería concentrase en su carrera. Así se fue acercando al grupo impresionista, que pintaba temas de la vida moderna y al aire libre. Sin embargo, lógicamente, su entorno era más doméstico, las hermanas, sobrinos, etc.
Para el Salon de 1870 iba a presentar un gran retrato de su madre y su hermana Edma, hoy en la National Gallery de Washington. Se lo mostró a Manet y éste, que solía provocarla elogiando a Eva Gonzalès, que trabajaba con él, cogió los pinceles y retocó el vestido y luego todo lo demás. Lo que hacía (y ella no se enfadó) era rebajar la autoestima de Berthe hasta el punto de que ella escribía a su hermana: ...”yo no soy capaz de nada”. En 1870, durante la guerra francoprusiana oían desde Passy los bombardeos así que, con sus padres, se reunió con su hermana en Cherbourg, donde pintaría de nuevo. Su pincelada muy suelta ya era su estilo pero su familia desconfiaba de que vendiera los cuadros.
Viajó a varios países de Europa, entre ellos a España para ver el Museo del Prado, en 1873. En el Salon de ese año fueron rechazados muchos pintores, que se asociaron para hacer el Salon de los Independientes. Degas la invitó a participar y lo hizo, a pesar de que Manet intentó convencerla de que no lo hiciera, con cuatro óleos. Fue incluida por los críticos en el grupo de pintores locos y ella será de los más genuinos pintores de la “impresión” momentánea.
En 1874 se casó con Eugène Manet, pintor aficionado y rentista, que la apoyará y ayudará siempre a instalar las exposiciones. En la 2ª Exposición Impresionista de 1876 expuso 14 óleos y recibió aún más críticas que sus compañeros porque “lleva el impresionismo al límite...” En la de 1877 expuso pinturas pequeñas (más femeninas o menos importantes) mientras que Manet o Renoir exponían obras de gran formato. En 1878 tuvo a su única hija, Julie, y por eso no participó en la Exposición del 1879, donde sin embargo sí participó Mary Cassat. Su hija será el tema recurrente en su pintura en adelante. La pintará durante toda su infancia y adolescencia. Berthe Morisot participó en todas las exposiciones impresionistas hasta la de 1886.
En 1883 murió Edouard Manet, lo que la afectó mucho. Desde 1885 organiza cenas a las que acudían amigos impresionistas y el poeta Mallarmé. Renoir y ella coincidían en su admiración por la pintura del siglo XVIII. Siguió pintando en el verano de Jersey, interiores, con retos de pintar todo en tonos de blanco, y el Bois de Boulogne y su estanque.
Su marido murió en 1892 y, como quería él, organizó una exposición con sus 20 años de trabajo. Por primera vez se sentía satisfecha de sus cuadros y deseaba pintar 20 años más. Pero murió en 1895. Y escribía a su hija de 17 años lamentando dejarla tan joven.: “...Posees belleza y dinero, haz buen uso ellos.” Pero parece que no se siente con derecho a ser considerada como los pintores varones pues le dice a su hija: “Dile al Sr. Degas que si funda un museo debería adquirir algún cuadro de Manet. Dales recuerdos a Monet y Renoir y uno de mis dibujos a Bartolomé. Dales algo a las dos porteras. No llores, te quiero más de lo que puedo expresar”.
Fue enterrada en Passy junto a su marido Eugène y su colega Edouard Manet. Ese día escribió Camille Pisarro a su hijo: “No puedes imaginar lo sorprendidos y conmovidos que estamos todos por la desaparición de esta gran mujer de extraordinario talento que honró a nuestro grupo impresionista, un grupo que está desapareciendo, como todo en la vida. ¡Pobre Señora Morisot, es casi una desconocida para el público!” Paul Valery escribió de ella: “Joven, esposa y madre, sus esbozos y sus cuadros reflejan su vida y van con ella a todas partes. Su obra parece el diario de una mujer que se expresa a través del color y del dibujo”.

Biografía de Gabriele Münter

Nació en 1877 en Berlín. Su padre, dentista de ideas libertarias, había estado años antes en Estados Unidos, luchando contra la esclavitud.
Desde 1897 estudia Arte en Dusseldorf.
En 1898 viaja con la hermana a Estados Unidos hasta 1901, cuando empieza a estudiar en Munich, en una Asociación de artistas al no serle permitida la entrada, por ser mujer, a la Academia.
En 1902 asiste a clases de escultura y grabado y a las clases de Kandinsky.
De 1904 a 1909 viaja con Kandinsky (cuya mujer vive en Rusia) por Alemania, Holanda, Italia y en 1907 están en París, donde expone en el salón de Otoño.
Su pintura se hace más esquemática, de líneas fuertes en los contornos de los colores básicos.
En 1909, en Munich de nuevo, forman una Asociación de Artistas con Jawlensky y otros que después se divide y crean, con Franz Marc, el Jinete Azul, Blau reiter. En la exposición conjunta de 1911 ella expone 14 cuadros. Su interés por el contenido la llevará al descubrimiento del lenguaje pictórico popular.
Al comienzo de la 1ª Guerra mundial Münter y Kandinsky se refugian en Suiza; después él vuelve a Rusia y se reencontrarán en Estocolmo. Kandinsky, muerta su esposa, se casará con una sobrina y en 1917 termina su relación con Gabriele Münter. Ella abandona la pintura durante 10 años.
En 1937 los nazis prohíben una exposición suya en Munich.
En 1956 le dan el premio de Cultura de la ciudad de Munich y ella dona a la ciudad su obra y las obras que conserva de Kandinsky. Están en un estupendo museo actualmente. G. Münter muere en 1962.

Biografía de Tonina Paba

Es Profesora de Literatura Española y de Literatura Sardo-hispánica (siglos XVI-XVIII) en la Facultad de Letras de la Universidad de Cagliari (Italia).
Es Componente del Collegio dei Docenti del Dottorato di Ricerca in Letterature Comparate dentro del Dipartimento di Filologie e Letterature Moderne de la misma Universidad.
Sus intereses científicos principales son por la literatura en lengua española del siglo XIX y de los Siglos de oro, sobre los cuales ha publicado numerosos ensayos en revistas (Annali di Cà Foscari, Rassegna Iberistica e Quaderni Ibero-americani) además de la edición del Canzoniere ispano-sardo (Cagliari, CUEC, 1996). Actualmente está preparando la edición del Repertorio de las Relaciones de sucesos di argumento sardo o publicadas en Sardegna (1500-1750) y la edición de un corpus de loas de autores sardos de los siglos XVII-XVIII. Está e su última fase la edición en lengua italiana de Mi romería (Il mio pellegrinaggio a Roma) de Emilia Pardo Bazán, nunca publicado en Italia.

Sus publicaciones incluyen:

Canzoniere ispano.sardo, Edición, comentario y notas de Antonina Paba, CUEC, Cagliari, 1996.
“Il tropico alegre e i tristi tropici sardi. Sergio Atzeni e la letteratura ispano-americana”, en Atti del Convegno su Sergio Atzeni, de Giuseppe Marci y Gigliola Sulis, Cagliari, CUEC, 2001.
“Il segreto come fondamento del saper vivere nell’Oráculo manual di Baltasar Gracián” en Atti del Convegno Internazionale su “Il Segreto”, Roma, 2002.
Introducción y cronología de Emilia Pardo Bazán, Cuentos sangrientos, Editorial Bercimuel, Colmenar Viejo, Madrid 2002.
El Cancionero hispanosardo: un caso de multiculturalismo en la Cerdeña del Siglo XVII”, Revista de Filologia Romanica, Universidad Complutense, Madrid, 2002. (Numero monográfico dedicado a la Lengua y a la cultura sarda, de M. Lorinczi).
Introdución a Sergio Atzeni, El hijo de Bakunín, Arci-Solidarietà Cesenate, Martorano di Cesena, 2002.
Introducción y cronología de Emilia Pardo Bazán, Cuentos de verano y otoño, Editorial Bercimuel, Colmenar Viejo, Madrid 2003.
Introducción y cronología de Emilia Pardo Bazan, Cuentos de amores, Editorial Bercimuel, Colmenar Viejo, Madrid 2003.
Encuentro de civilizaciones (1500-1750): Informar, narrar, celebrar, (cuidado de) Actas del Congreso homónimo que desarrollado en Cagliari 5-8 septiembre 2001, coedición de la Università di Cagliari-Servicio de Publicaciones Universidad de Alcalà de Henares, 2003.
Invasion francesa sobre la ciudad de Oristan: “El furor sacrílego” contra “la honra de los nuestros”, en El encuentro de civilizaciones.., Actas del Congreso, Università di CA- Alcalà de Henares- 2003.
“Me queda la palabra”. Poesia sociale e antologie nella Spagna del Novecento. Grupo Editoriale Domina, Macerata 2003.
Introducciones a los libros de Emilia Pardo Bazán Viajes por España y Viajes por Europa, Editorial Bercimuel, 2006.

Biografía de Emilia Pardo Bazán

1851 Nace en La Coruña, vulgo Marineda, el 16 de septiembre, de don José Pardo Bazán y doña Amelia de la Rúa. Hija única de familia noble y acomodada. La madre le enseñará a leer y del “inolvidable padre” siempre recordará estas palabras: “Mira, hija mía, los hombres somos muy egoístas, y si te dicen alguna vez que hay cosas que pueden hacer los hombres y las mujeres no, di que es mentira, porque no puede haber dos morales para los dos sexos”.

1868 El 10 de julio contrae matrimonio con don José Quiroga y Pérez Deza, tres años mayor, estudiante de derecho y simpatizante carlista. La joven pareja se instala en Santiago de Compostela a fin de que él pueda terminar los estudios universitarios. Estalla la Revolución de septiembre.

1869 El padre, partidario de Olózaga, es elegido diputado en Cortes y la familia se traslada a Madrid.

1871-2 Por divergencias con los nuevos gobernantes, siendo él moderado y excarlista, y por no compartir actitudes que considera excesivas, el padre deja España y viaja con la familia a Francia e Inglaterra.

1873 De nuevo en Madrid, empieza el estudio sistemático de la filosofía. Lee a Santo Tomás, San Agustín, Aristóteles, Platón y los filósofos, Kant, Spinoza, Shopenhauer y Spencer. Devora volúmenes de botánica, física y química. Lee textos de mineralogía y de astronomía, apoyada siempre en este esfuerzo de saber enciclopédico por su padre y su marido. Lee en italiano a Alfieri y Leopardi, en francés a Hugo, Lamartine y Musset. Se pone a prueba traduciendo teatro de Shakespeare.

1876 Nace su hijo Jaime. Poco después gana el premio del Certamen de Orense presentando su ensayo sobre Feijóo. Amistad con Giner de los Ríos, introductor del Krausismo, cuyas dotes humanas e intelectuales apreciará siempre. “Don Francisco me enseñó aquel sentido de tolerancia y respeto a las ajenas opiniones [...] que he conservado y conservaré, teniéndolo por prenda inestimable y rara”. Giner de los Ríos será el editor, más por homenaje a la amiga que por méritos intrínsecos, de sus poesías, suscitadas por la emoción de la maternidad.

1878 Nace su hija Blanca y escribe su primera novela, Pascual López, autobiografía de un estudiante de medicina, ambientada en Santiago, que aparecerá a comienzos del año siguiente en la “Revista de España”.

1880 Viaja para curas termales a Vichy y , al volver por París, aprovecha para abastecerse de libros de los autores franceses contemporáneos y visita a Victor Hugo.

1881 Nace Carmen, segunda de las hijas. Publica Un viaje de novios. Termina una Biografía de San Francisco de Asís, apasionada defensa del cristianismo de los orígenes y fruto de una profunda reflexión de carácter místico.

1883 Publica La cuestión palpitante, colección de ensayos sobre el naturalismo francés, aparecidos antes en “La época”. El prólogo de Clarín contiene palabras de estima por la autora cuya inteligencia elogia. A las graves acusaciones que proceden de los ambientes literarios conservadores E. P. B. opone la peculiaridad de su tesis, disidente y heterodoxa respecto a las teorías de Zola y a favor del realismo español tradicional. El escándalo suscitado por la publicación del libro parece estar en el origen de los sinsabores y las incomprensiones conyugales que desembocarán en una verdadera crisis con la consiguiente separación discreta del marido.
Publica La tribuna, novela-escándalo por la ambientación en una fábrica de tabaco.

1884 Funda la “Sociedad del Folklore gallego” de la cual será presidenta honoraria vitalicia.

1885 Pasa el invierno en Francia, donde toma parte en las tertulias de los Goncourt. Descubre la literatura rusa a través de las traducciones francesas y se sumerge en la lectura de Tolstoi, Dostoievsky, Turguenief y Gogol.
Publica La dama joven y otros cuentos (considerada autobiográfica) y El cisne de Vilamorta.

1886 Publica Los pazos de Ulloa, precedido por unos “Apuntes autobiográficos”.

1887 Sale La madre naturaleza. Viaja mucho por Portugal. Con ocasión del jubileo sacerdotal de León XIII hace un viaje a Roma, ciudad desde la que envía crónicas para “El Imparcial”, recogidas el año siguiente en el volumen Mi romería, que suscita violentas polémicas por la visita hecha por la Condesa al pretendiente al trono Don Carlos, en su palacio veneciano.
Publica los ensayos dedicados a la divulgación de la literatura rusa recogidos en La revolución y la novela en Rusia.

1888 Inicia una frecuente correspondencia amorosa con Benito Pérez Galdós, al cual hace tiempo que le unía una sincera amistad literaria. Continúa viajando. Publica la colección de artículos y discursos De mi tierra.

1889 La publicación de dos novelas, Insolación y Morriña desencadenan nuevamente la polémica en torno al naturalismo, pues parecían basarse en ideas deterministas. Va a París con ocasión de la “Exposición universal” y desde allí envía los artículos para “La España Moderna”, dirigida por su amigo Lázaro Galdiano. Escribe para “La Nación” de Buenos Aires. Esos artículos los recoge después en los libros Al pie de la Torre Eiffel Por Francia y Alemania.

1890 “La España Moderna” publica los artículos feministas La mujer española que aparecieron antes en la revista Fortnighty Review. Da a la imprenta La prueba y Una cristiana.

1891 Funda la revista “Nuevo Teatro crítico”, un homenaje a Feijóo, que logró publicar durante tres años escribiendo ella todos los artículos: de crítica literaria, de filosofía, cuentos, adelantos de sus novelas y recensiones de libros de otros escritores, entre ellos de Galdós.
Publica la novela La piedra angular, donde toca el discutido tema de la pena de muerte y la colección de Cuentos escogidos.

1892 Funda y dirige la “Biblioteca de la mujer”, dedicada a la instrucción de la mujer.
Publica la colección de Cuentos de Marineda.

1894 Publica la novela Doña Milagros, las Novelas Ejemplares, (incluyen Los tres arcos de Cirilo, Un drama y Mujer) y la colección de Cuentos nuevos.

1895 Comienza la colaboración en la revista “La Ilustración Artística”, en la sección “La vida contemporánea”. Publica la colección de cuentos Arco Iris y los ensayos sobre Dante, Milton y Tasso recogidos en Los poetas épicos cristianos.

1896 Publica el libro de viajes Por la España pintoresca y la novela Memorias de un solterón.

1897 Publica El tesoro de Gastón, aventura inmersa en la Galicia rural.

1898 Escribe Cuentos de la patria (publicados en 1902), en los cuales refleja la amargura por los acontecimientos históricos (Desastre de Cuba) y la preocupación por España. Publica El saludo de las brujas, en clave fantástica, y Cuentos de amor.

1899 Publica El niño de Guzmán y la colección de Cuentos sacroprofanos.

1900 Nuevamente en París, con ocasión de la Exposición Universal, enviada por “El Imparcial”. Recoge las crónicas en un volumen titulado Cuarenta días en la Exposición.
Publica la colección de cuentos Un destripador de antaño. Historias y cuentos de Galicia.

1902 Recoge las impresiones del viaje a Bélgica y Holanda en el libro Por la Europa católica. Publica las colecciones Cuentos de Navidad y Reyes, Cuentos de la patria y Cuentos antiguos.

1903 Publica Misterio, especie de novela histórica sobre Luis XVII de Francia.

1905 Publica La quimera, novela inspirada en la vida del pintor Vaamonde, para quien había posado en 1898. Sale Allende la verdad, novela breve.

1906 Es nombrada presidenta de la Sección de Literatura del Ateneo de Madrid, casi como compensación por no haber sido nombrada académica de la Academia Española, a la que ella había presentado su candidatura.

1907 Publica la colección de cuentos El fondo del alma.

1908 Gracias al reconocimiento del título pontificio como título de Castilla en adelante firmará sus artículos como Condesa de Pardo Bazán. Publica La sirena negra
y al año siguiente la colección de cuentos Sud-exprés.

1910 Escribe en “La Ilustración artística” a favor de la lectura y de la creación de bibliotecas en cada pueblo de España. “El cerebro nacional está tan necesitado de que lo desmonten, aren y siembren como los eriales y los enormes descampados del centro de España [...]. Porque necesitamos leer, y de la lectura saldrá la reflexión, y de la reflexión la extirpación de muchos y muy bárbaros errores...”. Es nombrada por el Conde de Romanones “Consejero de Instrucción Pública”, hecho que la colma de alegría y satisfacción.
Entre 1910 y 1914 publica tres tomos de artículos sobre La Literatura francesa moderna.

1911 Publica la novela Dulce dueño, y también la novela corta La gota de sangre, imitación de las policíacas de Conan Doyle, en el nº 128 de la revista “Los Contemporáneos”.

1912 Muere el marido don José Quiroga. Se publica Belcebú, novela breve sobre un caso de brujería y la colección Cuentos trágicos.

1913 Publica La cocina española antigua y La cocina española moderna, cuyo éxito la sorprendió.

1915 Enferma y muere la madre, Doña Amalia de la Rúa, gracias a cuya ayuda en la administración y gestión de la casa pudo dedicarse enteramente a la literatura.

1916 Un decreto del Ministro de Instrucción Pública, don Julio Barell, le concede la cátedra de Lenguas Neolatinas de la Universidad Central de Madrid

1921 Muere en la noche del 12 de mayo.

Texto elaborado por Tonina Paba y Danilo Manera.

Actualmente se puede visitar su casa natal, que es su museo y sede de la Real Academia das Letras Galegas, heredera suya pues sus hijas murieron sin descendencia y el hijo y nieto murieron, en A Coruña, Rua Tabernas 11 15001 tfno. 981 207 308. casamuseoepb@realacademiagalega.org

Biografía de Paula Rego

Nace en Lisboa en 1935, en una familia muy anglófila.
Estudia en el colegio inglés de Carcavelos. A los 18 años, en 1953, va a Londres a estudiar pintura en la Slade School of Fine Art., semillero de los grandes artistas ingleses del S.XX. Entre sus profesores estaba Freud. De la escuela salió casada con el pintor Victor Willing (1928-1988). Tuvieron una hija. Alternaron sus estancias entre Londres y Portugal hasta que en 1975 se instalaron en Inglaterra. Desde 1966 el marido tuvo una enfermedad degenerativa y Paula Rego lo cuidó hasta su muerte en 1988.
Desde 1983 Paula Rego es profesora de la Slade School of Fine Art.
En 1988 se desarrollan exposiciones retrospectivas de su obra en la Fundación Gulbenkian de Lisboa y en la Serpentine Gallery de Londres. Desde 1990 es pintora de la National Gallery de Londres. Le piden que pinte cuadros inspirándose en la pinacoteca.
En los años sucesivos sigue haciendo exposiciones individuales y publicando libros de grabados. Su pintura trata de transmitir un tipo de narración implícita que dramatiza a sus personajes. A pesar de que la consideran algunos la mejor pintora inglesa ella acude cada año a Portugal con sus dos nietas y encuentra todavía a sus criadas antiguas que son, de vez en cuando sus modelos.
En 1997 se celebró una Exposición retrospectiva de Paula Rego en el Centro Cultural de Belem, en Lisboa coproducida por la Tate Liverpool Gallery.
En 1999 participó en la política de Portugal denunciando con su pintura el dolor y la soledad de las mujeres en las situaciones de aborto clandestino, después de que en el referéndum sobre el aborto hubiera una altísima abstención. Expuso también una serie de pinturas retratando “el mundo oscuro y oculto” en la serie sobre la novela del siglo XIX de Eça de Queiroz, El crimen del padre Amaro
En 2004 se realizó otra exposición en el Museu de Arte Contempoânea de Serralves, en Oporto, donde fueron presentadas 150 obras de la artista (pintura y dibujo), incluyendo trabajos inéditos. El número de visitantes de esa exposición llegó a los 150.000.
Para este otoño del 2007 se prepara una exposición retrospectiva de la pintora en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

Biografía de Laura Silvestri

Nacida en Tortona, el 19 de mayo de 1946.
Fue profesora de Literatura española en la Universidad de Udine (Italia) y ahora es profesora en la Universidad Roma2.

PRINCIPALES PUBLICACIONES

LIBROS

Falsi e prove d’ autore: le leggende di Bécquer, Udine, Gianfranco Angelico Benvenuto, 1990, 190 pags.
Cercando la via. Riflessioni sul romanzo poliziesco in Spagna, Bulzoni, Roma 1996, 157 pags. Traducida al español por María Siguero y publicada con el título de Buscando el camino. Reflexiones sobre la novela policíaca en España, Bercimuel, Colmenar Viejo, Madrid, 2001, 170 pags.
VV.AA., Il sapere del corpo, número monográfico de “Igitur”(introducción y cuidado de Laura Silvestri), nº1-2, enero-diciembre 1996, 175 págs.

Notas sobre (hacia) Jorge Luis Borges, Roma, Bulzoni, 2000, 152 págs.

Emilia Pardo Bazán, La questione palpitante, (introducción y traducción de Laura Silvestri), Bulzoni, Roma 2000, 201 págs.

ENSAYOS Y ARTÍCULOS

Queste donne, en E. Perassi (ed.), Tradizione, innovazione, modelli. Scrittura femminile nel mondo iberico e americano, Roma, Bulzoni 1996, 9-34 págs.

¡Esas mujeres!, en N. Ibeas - M. A. Millán (eds.), La conjura del olvido. Escritura y feminismo, Icaria, Barcelona 1997, pp. 451-466;

La novela policíaca y el mito de la racionalidad, in Mitos, Actas del Congreso Aes, Universidad de Zaragoza, 1997, II vol., págs. 432-441;

Perché la letteratura?, en “Letterature d’America”, nº 62-63, 1995, págs. 51-76;

Per una ridefinizione della generazione del 98, en Fine secolo e scrittura. Dal Medio Evo ai giorni nostri, Atti del XVIII Convegno Aispi, Roma, Bulzoni, 1999, págs. 245-270;

América y España: la reinvención post-colonial de la historia, en A. de Toro (ed.), El debate de la postcolonialidad en Latinoamérica, Frankfurt am Main, Vervuert, 1999, págs. 215-234;

Sor Juana Inés de la Cruz o il pensiero della differenza, en “Letterature d’America”, nº 69-70, 1997-98 págs. 177-202.

El ensayo según Emilia Pardo Bazán, en A.Scocozza (ed.), La prosa ensayística del siglo XIX, Caracas, Monte Avila, 2000, pp.42-53.

Dal silenzio al sintomo: il disagio esistenziale delle donne, en Occioni (ed.), Voci dal silenzio. Donne e società, Venezia, Stampatrice Universitaria, 2000, págs. 58-68.

Emilia Pardo Bazán tra paradosso e controparadosso, en S. Vatteroni (edición de), Studi offerti ad Alexandru Niculescu dagli amici e allievi di Udine, Udine, Forum., 2001, pp. 253-267;

Il viaggio iniziatico di Carmen Laforet, en “Il bianco e il nero”, nº 5, 2002, págs.151-168.

Per una tipologia del neofantastico in Borges, en M. Vanon Alliata (al cuidado de), Desiderio e trasgressione nella letteratura fantastica, Venezia, Marsilio, 2002, págs. 155-170.

Emilia Pardo Bazán all’ombra della Torre Eiffel, en B. Donatelli (ed.), In viaggio verso l’Europa. Suggestioni, immagini e resoconti dagli scrittori dell’Ottocento, Bulzoni, Roma, 2002, pags.. 179- 196;

Carmen Martín Gaite e il saper amare la madre, en “Revista del Instituto Cervantes en Italia”, año III, 5, (2003), II, págs. 217-224;

España, sueño y verdad, en L. Silvestri (ed.), Il pensiero di Maria Zambrano, Forum, Udine, 2005, pp. 175-182;

Amare la madre: Danielle Girard e Carmen Martín Gaite, en A. Scacchi (ed.), Lo specchio materno: madri e figlie tra biografia e letteratura, Luca Sossella Editore, Roma, 2005, págs. 201-235;

Le Madri de Plaza de Mayo o l’altra storia, in M. Sestito (a cura di), Attraversamenti, generi, saperi, geografie nella scrittura del donne, Udine, Forum, 2006, págs. 113-130.

Sophie Taeuber-Arp, 1913, Munich. En la foto vestida de Aladino Biografía de Sophie Taeuber Arp

Nace el 19 de enero de 1889 en Davos, Suiza, de madre suiza, artista amateur, y padre alemán, que muere cuando ella solo tiene 4 años. Entre 1908 y 1910 estudia en la Escuela de Artes aplicadas de Saint Gall, en la sección de textiles. De 1911 a 1913 estudia en Munich y Hamburgo. De nuevo en Suiza, en 1915 entra en la Werkbund suiza, (que tiene como objetivo preparar a artesanos - artistas para que entren en la industria salvando formas de la cultura popular y mejorándolas en lo estético.
Desde ese año está empeñada en la búsqueda de una expresión propia; en los textiles inserta perlas, seda, papel, lana. Estas composiciones casuales de materiales diversos, mezclados en bordados y encajes abstractos, coinciden con la evolución que está atravesando en estos años el arte, pasando de la figuración a la abstracción. También en 1915 conoce a Jean (o Hans) Arp, en una exposición de la galería Tanner de Zurich –y será para él una continua fuente de inspiración – con el que se casará en 1922. En 1916 es nombrada profesora de la Escuela de Artes aplicadas de Zurich, donde enseñará hasta 1929, ganando así la manutención que permitirá a Arp trabajar sin preocupaciones.
En 1916 está entre los primeros artistas participantes activamente en la fundación del grupo DADA en Zurich, con Ball, Tzara, Arp, Huelsenbeck y otros. También estudia danza con Rudolf von Laban y participa en danzas en veladas dadaístas con música de Schoenberg, Satie, etc. en el Cabaret Voltaire. Sus primeras pinturas son acuarelas y diseños usando rectángulos, triángulos y círculos, cada vez más geométricos.
En 1918 crea marionetas de madera para la fábula tragicómica de Carlo Gozzi, El rey ciervo. Son las primeras marionetas modernas, que dejan ver el mecanismo para relacionar la manera abstracta-concreta con la dadaísta.
En 1925 forma el jurado de la Sección suiza para la Expo internacional de Artes Decorativas en París. En 1926 viaja a Italia y visita Pompeya. Hasta 1928, junto con Arp y Theo van Doesburg trabaja en la decoración de una casa dieciochesca, L’Aubette de Strasburgo, transformada en Café restaurante. En 1928 hace, enteramente con sus diseños, su casa de Meudon, N.O. de París, donde vivirán hasta 1939. Deja de enseñar en Zurich.
Participa junto con Mondrian, Kandinsky, Arp, Pevsner, Vantongerloo, etc. en la Exposción del grupo Círculo y cuadrado, en 1930, que reúne a la mayoría de los artistas que rechazan la pintura de representación. En estos años, sus obras tienen elementos circulares y ángulos rectos en formas puras.
Del 1932 al 34 es miembro del grupo Abstracción- Creación y lo abandona en protesta por la intransigencia de ellos frente a lo figurativo. En 1937 funda la revista Plastique, publicada en Nueva York y París durante dos años. Por esta época crea relieves con formas geométricas pintadas. Entra en la Alianza de los pintores suizos de Zurich.
A causa de la guerra dejan Meudon por la Dordogna, Saboya y Grasse, donde coincide con sus amigos Sonia Delaunay y Alberto Magnelli. Y, en diciembre de 1942 vuelve a Zurich. De manera aún no aclarada, muere el 13 de enero de 1943 en casa de Max Bill, asfixiada por una caldera de calefacción.

Biografía de Anne Vallayer-Coster

Francia 1744-1818

Era hija de un orfebre del taller real de tapices de Los Gobelinos. A los 10 años la familia se trasladó a París, donde el padre abrió su propia tienda. Pero no se sabe nada de con quién estudió o pudiera aprender su pintura de naturalezas muertas.
Se sabe que pintaba ya en 1762 pero se conservan obras suyas desde 1766. En 1770 se presentó para entrar a la Academia Real con dos Alegorías de las artes visuales y de la música (hoy en el Louvre) y fue aceptada por unanimidad. Uno de los votantes dice, como se solía opinar de las pintoras entonces, estas palabras: “verdaderamente tiene dotes iguales a las de un hombre que se hubiera preparado en ese género de la naturaleza muerta”.
Con esas obras debutó en 1770 en el Salon, donde participaría casi cada año y siempre fue muy elogiada hasta que debutaron en él las grandes pintoras retratistas, Vigée-Lebrun y Labille-Guiard, en 1783. Desde que en 1785 se le criticaran mucho unos retratos sólo se dedicó a las naturalezas muertas, especialmente a las flores. En este género es considerada famosa con justicia. Se registran de ella al menos 400 obras con temas de flores, caza, instrumentos musicales, trofeos militares, utensilios de cocina, lujosa porcelana, jamones, langostas, frutas, en cuadros pequeños o grandes y de composiciones elaboradas.
Se casó a los 37 años, en 1781, con J.P.S. Coster, rico abogado y miembro del Parlamento, y de ese modo entró en la clase de sus clientes. Aunque tenía amistades en la corte, después del 1789 se quedó en París hasta 1793. Seguramente se salvó porque los temas de sus cuadros eran políticamente neutros.
Durante la revolución y después de ella su producción bajó mucho pero siguió pintando pues expuso en el Salon de 1817, un año antes de su muerte, uno de sus cuadros más ambiciosos, un gran banquete con langosta.
Muchos la consideraron la más notable pintora de naturalezas muertas del siglo XVIII francés. Si se la compara con el número uno del género, Chardin, es, naturalmente, una segundona, pero supera a casi todos. Anne Vallayer y Chardin se diferencian en muchas cosas: ella pinta muchos cuadros de flores, de gran modernidad, casi impresionista, en su pincelada. Claro es que las flores se consideraban más asequibles a las pintoras. Chardin no pintaba flores y sí escenas de género y retratos al pastel, géneros que ella no tocó. La pintura de él es más pastosa y la de ella es de capas más delgadas. La temática de Chardin es más burguesa, de interiores sencillos, mientras que las naturalezas muertas de ella, de vajillas de plata o trofeos militares le acercan más a lo aristocrático.
Pero tiene obras maestras como esta de La sopera blanca (hoy en colección particular de París), cuyo primer dueño fue el Marqués de Marigny, el equivalente al ministro de las Artes de la época, expuesta en el Salon de 1771, que fue muy elogiada por Diderot. Es una alarde de habilidad pintando tonos entre el blanco y el negro, pues no hay colores salvo por el tostado del pan, pero también una composición llena de paralelas horizontales, verticales y diagonales. Y se diría que el humo de la sopera huele sabroso.

Biografía de Remedios Varo Uranga

Nace en Anglés, Gerona, el día 16 de diciembre de 1908. Está destinado allí su padre, ingeniero de minas y originario de Córdoba, que había conocido a su madre cuando estaba en San Sebastián.
Desde 1917 la familia vive en Madrid y Remedios empieza el bachillerato en 1920. Pasa muchos veranos en San Sebastián donde tiene su abuela. En 1929 termina su carrera de Bellas Artes en la Academia de San Fernado. Ese año pinta un libreto simbólico para la película de Florián Rey, La aldea maldita, obra maestra del cine español.
Viaja a París a estudiar con el novio Gerardo Lizárraga. Vuelven a San Sebastián en 1930 para casarse y vivir juntos. En 1932 se instalan en Barcelona. Viven del dibujo publicitario
En mayo de 1936 participa en la Exposición logícofobista de Barcelona.
Cuando empiece la guerra conocerá al poeta surrealista francés Benjamín Péret que ha venido como colaborador del POUM en el frente de Aragón. Marcharán juntos a París en 1937, aunque ella seguirá siendo amiga de Gerardo Lizarraga. Ya no volverá a España.
La libertad en París en el grupo surrealista la encanta. Participa en las reuniones, los juegos y en la exposición colectiva de 1938. Viven del dibujo publicitario y de las correcciones de Péret. Pero pinta poco.
Cuando empieza la guerra mundial y Péret es movilizado ella va cerca de Perpignan. En 1940 están en París esperando tener papeles. Van a Marsella y, por Argel y Orán, llegan a Casablanca para embarcar para México.
En México hace dibujo publicitario y Péret clase de francés, hasta 1947 en que Péret, con el que se casó, vuelve a Francia y ella pasa 2 años en Venezuela viendo a su familia y dibujando insectos para una expedición científica.
Desde 1949 la apoya el exiliado austriaco Walter Gruen para que sólo pinte. Tiene gran éxito su pintura figurativa, que representa metáforas surrealistas, en exposiciones individuales y comunes y gana mucho dinero. Es muy amiga de la pintora norteamericana Leonora Carrington. Tiene una relación especial con los animales, la adivinación, el esoterismo y el simbolismo. Dicen que estaba cansada de vivir y muere de ataque al corazón en 1963 en México D. F.

Biografía de Lluisa Vidal i Puig

Lluisa Vidal i Puig nació en Barcelona en 1876 (entonces el París de España, según H.C. Andersen) como la 2ª de 9 hermanas y 2 hermanos. Su madre era hija de Bernat Puig, compositor de música sacra y director de orquesta y coros, y de Susanna Buscó, hija de alsaciana y francés. Ella misma sabía música y cinco idiomas. El padre, Francesc, era hijo del dueño de un taller floreciente de ebanistas ya famoso en toda España. Él mismo viajó por Europa, estudió en París artes decorativas y volvió con el gusto refinado y la preocupación por la perfección técnica. Introdujo el Modernismo en los muebles y escogía sus artesanos de modo que algunos serían luego J: M. Sert y trabajaba con artistas como Gaudí o los hermanos Joan y Julio González. Entre sus clientes estuvieron Alfonso XIII, el obispo y la Diputación de Barcelona o el marqués de Comillas y el teatro del Liceo.
A las hijas mayores se propuso dedicarlas al Arte y profesores particulares les enseñaron 5 idiomas, historia y música. Los profesores de música podían ser Granados, Albéniz o Casals. La mayor, Mercedes, fue pianista y compositora, Lluisa pintora, Julia violinista, Francisca tocaba el violonchelo y Carlota aprendía escultura. Formarían un trío que daba conciertos en su casa o salones como el del palacio Güell o en Puigcerdá, en verano, donde tenía casa el Doctor Andreu, famoso farmacéutico por sus pastillas y otras cosas. También daban conciertos en Sitges, que se había puesto de moda por ser la meca del Modernismo que había inventado Rusiñol en el Cau Ferrat. Para esa casa F.Vidal hizo las lámparas y sus hijas tocaron en algunas fiestas modernistas.
Por su parte Lluisa Vidal recibía clases de pintura desde los 12 años de Enric Gómez o Joan González y visitaba los talleres de la empresa de decoración de su padre (que tenía sección de madera, metales, telas y vidrio) o iba con él a Madrid y visitaban El Escorial y el Prado. Así que a los 20 años pintaba influida por los maestros españoles.
En 1998 expuso por primera vez (como Picasso) en Els Quatre gats (que eran Rusiñol, Miquel Utrillo – que dio el apellido al hijo de la pintora parisina Suzanne Valadon, y pintor de Montmartre, Maurice Utrillo - Ramón Casas y Pere Romeu, y todos habían viajado ya a París). Pero no quiso llevar cuadros a una exposición en la Sala Parés porque era solo de señoras y señoritas, pues no pintaba flores y no le interesaban los paisajes. Ese mismo año expuso sola en la Sala Parés, con buenas críticas del Diario de Barcelona, La Vanguardia o El Eco de Sitges –escrita por Miquel Utrillo. En todo ese tiempo la animaba un Mosén Collell, de Vic, al que ella retrató varias veces y que ciertamente se sentía celoso de sus relaciones fuera de Barcelona aunque ella no parece haber querido nunca tener novio, cosa que le alegraría al padre, posesivo y autoritario con la familia como era.
En 1900 hay en Barcelona una epidemia de dengue y ella lo pasa. Su padre no quiere más que medicina casera y rechaza las vacunas para su familia de 15 miembros, que se ha mudado a dos pisos en el Paseo de Gracia. El taller, más próspero con la fiebre constructora, incluso diseñará carrocerías de coches en una nueva fábrica de Barcelona.
En el verano de 1900 van los padres y las 5 hermanas mayores a visitar durante un mes la Exposición universal de París. Quiere que sus hijas vayan a aprender no a que se casen. Pero LLuisa lo que ve es que tiene que volver a estudiar en París y la enviarán en 1901-02. Empieza un mes en la Academia Julian, famosa entre las pintoras extranjeras, y que hacía un gran negocio cobrando el doble a las mujeres que a los hombres. No le gustó y, tras el mes de verano que pasó en Inglaterra con unos amigos franceses de su padre, se fue a otra escuela y a copiar al Louvre. La suya no es una vida bohemia. Una amiga la llevará a conocer un periódico hecho todo por mujeres, La Fronde – que salió entre 1897 y 1902 -, y le encantará conocer a mujeres inteligentes, que le hablan del sufragio femenino, la igualdad de oportunidades y salarios… De hecho en el verano de la Expo. de 1900 en París se celebró un congreso internacional de mujeres feministas y en él estuvo Emilia Pardo Bazán, que también estuvo agasajada con un banquete en la sede de ese periódico.
En 1901 vuelve y viene elogiando los cuadros de Sorolla que ha visto en el Salon, en contra de la opinión del padre. Pasa la familia el verano en Blanes pero se encuentra en un mal ambiente porque (en el primero de los abscesos de manía autoritaria persecutoria patriarcal del padre) el padre de LLuisa no quiere que la hermana violinista se case con un joven de nueva nobleza. Y lo va a impedir hasta 3 veces y en la 4ª el juez lo obligará a aceptar pero él la rechaza como hija. Eso la duele a la madre, naturalmente, que no puede ver a su hija más que a escondidas. Frasquita la violonchelista no se decide a ir de gira de conciertos por Europa con Pau Casals.
La tarea mayor de este periodo para Lluisa son los retratos, especialmente de mujeres y niños. Continúa con sus exposiciones en la sala Parés. En los elogios que le dedican siempre aparecen palabras como “viril”, “masculina”, como hasta entonces les ha pasado a todas las pintoras. En este momento ya no tiene modelos vitales pero ella sigue adelante con su gran energía y determinación.
En 1905 la hermana Carlota muere de viruela - contraída en el tranvía, según cuenta la víctima – y el médico no puede hacer otra cosa que vacunar a toda la familia, contra el parecer del padre. Pero después de ese triste suceso el padre debe afrontar su responsabilidad y empieza a tener alteraciones de personalidad, irracionales. Reduce arbitrariamente los gastos y la familia está a merced de ese padre con total autoridad económica. Él mientras tanto envía al hijo pequeño a estudiar a Londres sin dinero.
En 1906 Luisa expone de nuevo en Barcelona y en la de Bellas Artes de Madrid (es consciente de su trabajo profesional). Pero en ese verano el padre se escapa y aparece en Olot. Le cuidan los caprichos las hijas Frasquita y Lluisa, que ejerce de jefa de la casa y que debe someter su profesión a las condiciones familiares. En una visita de la madre al marido el padre la rechaza y culpa a su mujer de todos sus problemas. Entonces LLuisa la defendió a y el padre repudió a la hija preferida. Francesc vivió luego solo y en la casa de sus hermanas en San Gervasi.
Desde 1907 -en ese año pintará el estupendo retrato grande de Ricard Canals – participa en la revista Feminal, que dirige Carme Karr. Ese suplemento mensual de La Ilustración catalana, que se publicará hasta 1917, reúne a las feministas burguesas católicas con las que ha contactado y a las que retratará en aquellos años. Retrata a las escritoras Dolors Monserdá, Caterina Albert (Víctor Catalá) o la compositora Narcisa Freixas y a la actriz Margarita Xirgu e ilustra cuentos o novelas de la revista. Dona cuadros para tómbolas caritativas o para hacer homenajes, por ejemplo a la pintora de flores Pepita Teixidor. Y es jefa de su familia de 5 hermanas (dos se casaron y el hijo mayor, rechazado también por el padre, se fue a ser piloto de coches a Suramérica) y su madre, aunque ellas también dan clase de música o son secretaria y bibliotecaria. Ocultan como pueden la situación de rechazo del padre y Lluisa pinta a domicilio retratos de las familias que veranean en el Pirineo.
En 1909 expone en la Sala Parés el estupendo retrato de su hermana violonchelista descansando. Poco después estalla la Semana Trágica, pero el taller del padre no sufrirá en la revuelta.
En 1910 Francesca Bonnemaison crea el Instituto de cultura y la biblioteca popular per a la dona, para enseñar oficios a las jóvenes solteras, cuyas alumnas llegarán a ser 8.000 en 1930. Dolores Monserdá funda el Patronato de obreras de aguja y Carme Karr La LLar, residencia para estudiantes y profesores. Lluisa, tras la muerte imprevista de Nonell, se queda con su taller y piensa en organizar una verdadera escuela de arte, visto su éxito en las clases que daba en el suyo. A todas sus amigas las anima constantemente y su vida social se desarrolla con esas amigas feministas que se apoyan o se reúnen en tertulias en casa de Carme Karr o conciertos de Narcisa Freixas. Pero los escritores burgueses católicos como Eugenio D’Ors se burlan de esas iniciativas feministas.
En su familia el padre sigue aparte pero vuelve al taller, que tiene siempre trabajo, y los hijos retornan pero evitan al padre. Ella sigue exponiendo (el gran retrato de su hermana Marta es de esta época, o los de los millonarios uruguayos Sres. Tabares) en Barcelona o en la Exposicón Nacional de Bellas Artes en Madrid. Y sigue ilustrando libros y revistas.
En 1913 el padre se retira pero obstaculiza todo lo que puede al hijo Frederic en el taller. Las hijas ya son autónomas económicamente pero la madre sigue sin entender lo ocurrido con el padre y su único consuelo es Lluisa o ver a su nieto. Frasquita participa en la orquesta que ha fundado Casals y Lluisa hace alegremente su papel de, dice, “Solterona sufrida”, ayudando a todos. Las feministas católicas le encargan un retrato de la poeta Josepa Masanes para la galería de Catalanes ilustres y por fin el Ayuntamiento de Barcelona accederá a colgarlo.
En 1914 prepara la gran Exposición en la Sala Parés y los elogios siguen basándose en la extrañeza antigua de que sean obras de manos femeninas. Empieza la primera Guerra mundial y pronto formará parte del Comité femenino pacifista de Cataluña. Murió el padre a sus 66 años y prohíbe un funeral público. Sin embargo la situación de la madre no mejorará pues la fortuna está invertida en el negocio y casas así que las hijas tardarán en recibir su herencia. El hereu Frederic recibe 4 partes de la herencia para mantener a su madre pero cerrará el taller en 1929, dedicándose a los barcos, que es lo que deseaba desde joven.
Desde 1915 Lluisa lee revistas y visita las exposiciones en la Galería Dalmau de Gris, Braque, Sofía y Robert Delaunay y se ve dispuesta a cambiar de estilo pictórico y entrar con entusiasmo en otra etapa. En el 1917 y 18 expone obras con influencia cubista en la sala Parés, pero, a sus 42 años, en octubre de 1918, contrae la gripe española y muere. Hizo testamento a favor de sus hermanas solteras y en el documento no escribieron, de profesión, pintora sino “sense cap professió concreta”.
En 1919 su familia organizó una exposición homenaje en la Sala Parés pero luego su nombre se ha borrado de la Historia del Arte de Cataluña y España, aunque parte de su obra se encuentra en el Museu d’Arte Modern de Barcelona.

La mayor parte de estos datos son sacados del libro de Marcy Rudo, LLuisa Vidal, filla del modernismo.

Biografía de María Helena Vieira da Silva

Nace en Lisboa, en junio de 1908, hija única de un diplomático que muere en 1911.
Hasta 1927 estudia en Lisboa música y luego pintura y escultura.
En 1928, con su madre, se instala en París para estudiar en la academia de la Grande–Chaumiere, y escultura con discípulos de Rodin, y con Ferdinand Léger.
En 1930 se casa con el pintor húngaro Arpad Szenes. En reuniones de artistas se discute el problema del “arte social”.
Participa en exposiciones colectivas del Salon d’Automme, en 1931, y en 1933 empieza con sus exposiciones individuales. Su pintura, casi abstracta, se caracteriza por tener espacios con diferentes puntos de fuga, estructuras laberínticas, ciudades bibliotecas y bibliotecas ciudades.
Marchan a Brasil huyendo de la guerra en 1940 y no volverán hasta 1947. Allí los acogen con mucho reconocimiento y ellos influyen en los artistas brasileños, a través de sus exposiciones y su magisterio.
Al volver a Europa pasan por Portugal y el dictador Oliveira Salazar rechaza dar la nacionalidad portuguesa a su marido. Ella no volverá a Portugal hasta ser viuda. De nuevo en París, sus mejores obras son compradas por el estado francés, entre ellas “La biblioteca”, de 1949.
En 1956 se les concede la ciudadanía francesa a los dos. Y en 1962 se le concede la Legión de Honor a Vieira da Silva.
Trabaja mucho y hace muchas exposiciones individuales en Francia y en el resto de Europa. Vieira da Silva decía que “quería pintar las cosas que no existen como si existieran”., y se coloca al margen de todas las corrientes contemporáneas, con sus paisajes interiores. Poco antes de morir, en 1991, llegará